Composición de una fotografía
En fotografía y artes visuales, la disposición de los elementos dentro de un cuadro puede generar sentimientos más fuertes que el sujeto real. Esta conciencia, intención y organización de los elementos se conoce como la composición de una fotografía. Una composición bien concebida dirige la atención del espectador. Lo invita a entrar al cuadro, lo guía en lo que hay adentro y mantiene su atención. Aunque nuestros gustos en fotografías son subjetivos, las técnicas para crear una fotografía impresionante, a lo largo de los siglos, han demostrado ser indiscutibles.
Así que vamos a explorar algunas de las técnicas más conocidas y no tan conocidas de la fotografía para crear composiciones poderosas y ayudar a llevar tu próxima toma a un nivel superior.
Reglas de los tercios, triángulos y proporciones
Hay muchas alusiones a lo divino en el lenguaje de los fotógrafos, pero este vocabulario sagrado comienza a tener sentido una vez que has visto el alcance final de una puesta de sol a través de un conjunto de nubes al anochecer. Sin embargo, en postproducción, a menudo notamos que las nubes o los haces de luz perdieron su majestuosidad, una consecuencia de la incapacidad del sensor de nuestra cámara para capturar el estado de ánimo sin una dirección. Tres consejos para evitar este problema se conocen como la Regla de los tercios, el Triángulo dorado y la Proporción áurea; técnicas de composición creadas mucho antes de la fotografía que seguirán siendo la base de las artes visuales mucho tiempo después. Estas técnicas van desde rápidas y sucias hasta exquisitamente complicadas, adecuadas para todos los géneros, incluidas la fotografía macro y de vida silvestre.
La Regla de los tercios es un principio fundamental de la composición fotográfica utilizada por los artistas durante siglos. A partir de la idea de dividir una imagen en nueve partes iguales, con dos líneas horizontales y dos verticales que se cruzan en los cuatro puntos de interés, los fotógrafos pueden crear fotos más equilibradas y estéticamente agradables al colocar al sujeto a lo largo de estas líneas o en sus intersecciones. Además, esta técnica puede crear composiciones dinámicas que atraen la atención del espectador hacia el sujeto y agregan interés a una imagen. Aunque es una estrategia sencilla de emplear, maestros como Ansel Adams tienen volúmenes de trabajo que demuestran la Regla de los tercios.
El Triángulo dorado es otra poderosa técnica de composición que utilizan los fotógrafos para crear imágenes visualmente atractivas y mejorar la narración de historias. Sin embargo, su diseño central es impreciso en comparación con la tradicional Regla de los tercios. Consiste en organizar los elementos de una fotografía en una figura triangular, con la parte más importante colocada en el vértice del triángulo. Esta técnica ayuda a atraer la atención sobre el tema principal y crear una imagen estéticamente agradable. Mediante el uso de esta técnica, los fotógrafos pueden garantizar que sus fotos estén bien equilibradas y tengan un atractivo visual impactante.
La Proporción Áurea, también conocida como la Sección áurea, la Media dorada, la Espiral de Fibonacci, la Cuadrícula Phi, o la Proporción divina, es un concepto matemático utilizado en composiciones fotográficas durante cientos de años y muchos otros medios y expresiones artísticas. La idea central es que las proporciones específicas entre los elementos de una fotografía pueden crear resultados estéticamente agradables que lleven al espectador a través de toda la foto. La Proporción áurea es una técnica avanzada que se utiliza mejor en postproducción que sobre la marcha durante una sesión a un ritmo rápido como la fotografía deportiva. Un fenómeno natural expresado algebraicamente, La Proporción áurea se asemeja a la concha de un molusco Nautilus, con la parte más detallada de tu imagen cayendo en la espiral más apretada. Comprender cómo funciona esta proporción y aplicarla a tus fotografías puede crear imágenes hermosas, atractivas y equilibradas.
Estas técnicas, que funcionan como una guía, son una serie de líneas generalmente superpuestas en la pantalla de tu cámara o en el software de edición. Pero, ¿sabías que a menudo hay líneas dentro de tu escena que también pueden funcionar para crear composiciones impresionantes?
Líneas principales
Las líneas son integrales en la vida cotidiana; nos guían, nos ayudan a viajar, estructuran nuestra anticipación (¡Siguiente!) , y enmarcan nuestros hogares, escuelas y negocios. Las líneas y la experiencia humana están tan entrelazadas que miramos románticamente hacia el horizonte mientras el sol cae detrás de una. El uso de líneas, ya sean verbales, figurativas, físicas o literales, es una poderosa técnica de composición conocida como Líneas principales, una técnica que utilizan artistas y fotógrafos para componer algunas de las composiciones más atractivas de la fotografía.
Las Líneas principales son una poderosa herramienta de composición para que los fotógrafos creen imágenes cautivadoras. Cuando se usa correctamente, las Líneas principales pueden atraer la atención del espectador y guiarlo en un viaje visual, al crear una sensación de profundidad y movimiento. Esta técnica es beneficiosa a la hora de fotografiar paisajes o arquitectura. Por ejemplo, imagina una instantánea compuesta simétricamente de una mañana extrañamente tranquila en San Francisco. En primer plano comienza una calle de la ciudad con negocios a cada lado. Las líneas de la calle se desvanecen a medida que dirigen nuestra mirada hacia el fondo, revelando el hercúleo Puente de la Bahía, un concepto conocido como líneas convergentes. Con el uso de las líneas, el fotógrafo le brinda a su espectador más contexto en lugar de documentación directa de un puente de suma importancia. En este caso, además de la dirección visual, las líneas provocan comunicación entre el sujeto y el público. ¿Qué tan crítico es ese puente? Esas líneas podrían llevar al público a creer que solo hay una salida de la ciudad. Además, las Líneas principales, por sí mismas, también pueden convertirse en el tema de la composición al convertir la gran distancia desde el primer plano hasta el puente en la conversación que se genera entre el fotógrafo y el espectador. Dejando a un lado las posibilidades, las Líneas principales ayudan a un fotógrafo a componer un sentido de dirección dentro de una imagen y ayudan a guiar el ojo del espectador hacia o desde el sujeto principal o convertirse por completo en el sujeto principal.
Probablemente ya hayas notado que las líneas que se cruzan y convergen crean formas: cuadrados, rectángulos, triángulos y diamantes, por nombrar algunas. Del mismo modo, las formas crean marcos, lo que nos lleva a una de mis técnicas favoritas para crear composiciones atractivas.|
Marco dentro de un marco
Marco dentro de un marco es una técnica de composición fotográfica eficaz y creativa que crea imágenes impresionantes y en movimiento. El método implica el uso de uno o más elementos del primer plano para enmarcar al sujeto principal de la imagen para diseñar una sensación de profundidad y perspectiva. Esta técnica permite a los fotógrafos llamar la atención sobre su sujeto a la vez que proporciona contexto. Además, el elemento del primer plano puede ser cualquier cosa dentro del cuadro: piensa en una ventana, puerta, o arco; solo tu imaginación limita esta técnica, así que solo usa estos para comenzar. Uno de mis trucos favoritos es ilustrar el bullicio de un lugar con mucha gente disparando entre dos personas para que sus siluetas funcionen como un marco en el primer plano para llevar al público a inferir que apenas hay espacio suficiente para la cámara. Los directores de fotografía a menudo utilizan esta técnica en escenas de persecución a través de desfiles o subterráneos congestionados. Un contraste oscuro y claro, borroso y claro, ayuda a dirigir con precisión el ojo del espectador hacia dónde debe mirar.
Una vez dominado, si te sientes limitado por la idoneidad de esta técnica al asumir que solo funciona en contextos específicos, solo recuerda que el Marco dentro de un marco no tiene que ser literal. Y algunos de los fotógrafos más interesantes e influyentes de la fotografía logran esto a través de metáforas visuales.
Contraste
De manera inequívoca, el contraste compone una fotografía como ninguna otra técnica. La capacidad del Contraste para crear composiciones alucinantes es la razón por la que la guardamos para el final; aunque es una de las técnicas más emocionantes de emplear, rápidamente puede convertirse en una de las más intimidantes. El contraste ocurre al yuxtaponer partes de tu composición, como tonos claros y oscuros, colores, formas, texturas y escalas, por nombrar algunas.
El contraste tonal juega un papel crucial para lograr una composición impresionante, pero a menudo se pasa por alto a favor del contraste de color. Los puntos brillantes funcionan de manera natural como un punto focal dentro de una imagen cuando se contrastan con las sombras y generalmente proporcionan más detalles que sus contrapartes. Al manipular las áreas claras y oscuras dentro de tu encuadre, podrás dirigir la atención de tu audiencia. Por ejemplo, imagina un foco en un escenario de teatro. El contraste del foco contra un fondo oscuro informa a la audiencia dónde enfocarse.
El uso de colores contrastantes en la fotografía puede resultar en imágenes magníficas. Al tomar fotos, busca colores colocados en los extremos opuestos de la rueda de colores, como rojo y verde. Por ejemplo, una gran manera de hacer que alguien destaque en una fotografía es vestirlos de verde y colocarlos contra una pared roja. Esta combinación de colores llamativa captará la atención y creará una composición estéticamente placentera. Usa una rueda de colores para descubrir otras combinaciones de colores contrastantes.
Un error honesto al pensar en el color es quedarse atascado en una visión demasiado saturada: el color aparece pero no tan bien cuando todo lo demás es igual de vibrante. Por ejemplo, si piensas en "El Diseñador pervertido" Karim Rashid, los diseños de sus muebles hacen alarde de tonos fantásticamente saturados y vibrantes; sin embargo, coloca sus piezas en habitaciones blancas. En este caso, el "Diseñador pervertido" contrasta una pared blanca y diseños saturados para promover “el pop”. Entonces, si tuviéramos que revertir esta técnica en la fotografía, podríamos crear una sensación de melancolía yuxtaponiendo un sujeto desaturado con un fondo vibrante.
Con frecuencia, la textura es uno de los tipos de contraste que más se pasan por alto; sin embargo, menos técnicas rivalizan con la capacidad de la textura para crear estados de ánimo terrosos, orgánicos y robustos. Además, la textura obliga al público a inyectar sus experiencias previas en la fotografía. Por ejemplo, una foto de una mano deslizándose por el capó de un automóvil deportivo genera una respuesta diferente de la audiencia que las manos excesivamente trabajadas de un mecánico alejando una llanta cambiada recientemente.
El contraste está en todas partes, un lugar grande cerca de uno pequeño, un viejo cerca de un joven, distancia cercana y lejana, y así sucesivamente. Pero no te detengas ahí porque algunas de las fotografías más atractivas tienen nuevos tipos de contraste, o combinaciones de contrastes, descubiertos por el fotógrafo. Además, al combinar creativamente estas técnicas, los fotógrafos pueden crear composiciones impresionantes que captan el enfoque y la admiración de su audiencia.
Cómo lo disparas
Casi todas las técnicas de composición se esfuerzan por crear equilibrio dentro de una imagen, un esfuerzo conocido por los fotógrafos como armonía. Las composiciones armoniosas mantienen un sentido de refinamiento entre los géneros drásticamente diferentes de la fotografía. También conocido como unidad, este equilibrio armonioso es la razón por la cual la fotografía callejera, en todo su desorden y gloria, puede apreciarse entre los entusiastas tanto como la fotografía de moda de alta gama o de comida. Y por la que toda la fotografía seguirá siendo uno de los medios más sofisticados del arte.
Entonces, ya sea que estés utilizando líneas principales para guiar a tu espectador a través de un paisaje urbano o utilizando el brillo de una linterna para atraer a tu audiencia hacia un pasillo largo y oscuro, hay una técnica de composición para ayudar a contar tu historia.
